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ギター - Wikipedia
Wikipedia

ギター

弦楽器
曖昧さ回避 この項目では、楽器について説明しています。プリンスの楽曲については「ギター (曲)」をご覧ください。

ギター（英: guitar）は、弦楽器の一種で、フレットのついた指板、基本的に6本の弦をそなえ、指やピックで弦を弾いたり掻き降ろすことで演奏するものである[1]。

ギター
各言語での名称
英 Guitar（ギター）
独 Gitarre（ギターレ）
仏 Guitare（ギタール）
伊 Chitarra（キターラ）
中
  • 吉他（北京語）
  • 結他（広東語）
  • Gì-tah（閩南語）
  • Kit-ta（客家語）
ギター
クラシックギター
分類

弦楽器

音域
開放弦のチューニング
関連楽器
演奏者

ギタリスト

（学問的には）弦楽器の中の「リュート属」に分類される。また弦を弾く（はじく）ことにより演奏する撥弦楽器に分類される[2]。

クラシック音楽、フラメンコ、フォルクローレ、ブルース、ジャズ、ロック、ポピュラー音楽などをはじめ、ピアノと並び幅広いジャンルで用いられる汎用性の高い楽器である。

ギターの演奏者をギタリスト（英: guitarist）という。

歴史

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ギターはおそらくスペイン起源の楽器であり[3]、ヨーロッパ中世後期の楽器であるギターララティーナ（＝くびれた胴と4本の弦をそなえた楽器）をもとにして、16世紀初期に派生したものである[3]。初期のギターは、現代のギターと比べてもっと細身で厚みがあり、くびれの程度も少なかった[3]。そしてギターはビウエラという、スペインでリュートの代わりに演奏されていた、ギターに似た形の楽器と緊密な関係がある[3]。

もともとはギターは4組の弦を持ち、そのうち3組が2本で、残りが1本の弦だった。そしてヴァイオリンのような糸巻き（ペグボックス）をそなえ、つまり直接ペグの棒に弦を巻きつけていた[3]。共鳴板（＝ボディー表側の薄くて振動しやすく音を増幅する木板、soundboard）にはサウンドホールという丸い穴があけられ、しばしば周囲が木彫りで装飾された[3]。16世紀のギターは各弦がC-F-A-D'に調律された[3]。なおこれはリュートやビウエラの、真ん中の4弦の調律と同じである[3]。

16世紀から19世紀にかけてギターにいくつかの変化が生じた。1600年の前に5組目の弦が加えられ更に18世紀の終わりころには6組目の弦が加えられた[3]。この弦の増加は音域を広げることにつながった[4]。またこのころ、弦に巻き弦が採用されることで強度が上がり、これを受けて複弦から単弦への移行が起きた[4]。こうして1800年以前に2本組の弦が、シングルの（つまり1本だけの）弦へと置き換えられE-A-D-G-B-E'という調律がされるようになった（そしてこの調律が現在でも標準的な調律になっている）[3]。こうしてこの時期、おそらくフランスかイタリアにおいて、現在使われている6単弦のギターが誕生した[5]。これによりギターの出せる音域が拡大し、楽器として広く利用されるようになった[4]。

ヴァイオリンに似た糸巻き（ペグボックス）は1600年ころに、わずかに後ろに傾いたヘッドの後ろにペグが配置される形になった。19世紀に単純なペグの代わりに金属製のネジが用いられるようになった[3]。

初期のギターでは指板にガット（羊などの腸で作った細い紐）を巻いて結んだフレット（tied-on gut）であったが、18世紀に指板にあらかじめ象牙や金属を組み込んだフレットへと変更された[3]。指板は最初はボディーに接するところで終わり（つまり共鳴板の上へは伸びず）、象牙や金属のフレットは初期には共鳴板の表面にも直接配置された[3]。19世紀に指板が（共鳴板の表面から遠ざかる方向に）わずかに高くなるように変更され、そして指板は共鳴板の上へ伸び、サウンドホールの縁まで延長された[3]。19世紀後半に入ると、スペインの名工であるアントニオ・デ・トーレスによってボディや丸みの大型化や弦の65cmへの延長がなされ、音質と音量が大きく改善した。彼の改良により、クラシック・ギターの基本的な形状はほぼ完成した[6][7]。

一方、アメリカに伝わったギターは、19世紀中頃に在来のバンジョーの影響を受けて弦が従来のガットから金属弦へと変化した[8][9]。この変化により大音量の出せるようになったギターはバンジョーに変わってアメリカで人気のある楽器となったが、さらなる大音量化が求められて種々の試行錯誤が行われ、1920年代にはボディに金属の共鳴器を取り付けたリゾネーター・ギターが開発された[10]。

上記のようにアコースティック・ギターは発展していったが、構造的に大音量化の限界に直面していた。この解決策としてアンプによって音量を増幅させることが考案され[11]、1930年代初頭にエレクトリック・ギターが発明され、普及していった[12]。当初のエレクトリック・ギターは通常のギターと同じく内部に空洞のあるものであったが、構造的にハウリングを起こしやすかった[13]ため、1950年には内部の空洞をなくしたソリッド・ギターが発売され[14]、以後エレクトリック・ギターの主流はこのタイプのものとなった。

種類

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ネック折畳式のTravel guitar

音の増幅方式による分類

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大分類としては、弦の振動およびその音を空洞のある（箱状）ボディー（一種のヘルムホルツ共鳴器）で増幅させる「アコースティック・ギター」と、弦の振動をピックアップで微弱な電気信号として取り出し、それを増幅回路（アンプ）で電気的に増幅させる「エレクトリック・ギター」の2種に分類される[12]。

アコースティック・ギター

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アコースティック・ギターは、音楽ジャンルごとにいくつかのタイプがあり、クラシックを中心にさまざまな音楽に使用されるクラシック・ギター、フラメンコの使用に特化したフラメンコギター、フォークソング・ロック・ポップスなどポピュラー音楽の演奏に主に用いられるスティール弦アコースティックギター（フォークギター）などに分類される。このほか、ボディに金属の共鳴器を取り付けたリゾネーター・ギターや、アコースティック・ギターにピックアップを追加して電気信号を取り出せるようにしたエレクトリックアコースティックギターなどもある。

アコースティック・ギターは略称で俗に「アコギ」とも呼ばれる[15]。

アコースティック・ギターという言葉は、エレクトリック・ギターの登場後に、電気的な増幅ではなくボディの共鳴によって音を増幅するギターを音響学的な（acoustic アコースティック/アクースティック）ギターと呼んで区別した言葉（レトロニム）である。語義的には上記の通りクラシック・ギターなども含まれるが、日本においてはアコースティック・ギター/アコギと言った場合はスティール弦アコースティックギターを指すことが多い。

エレクトリック・ギター

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エレクトリック・ギターは、その構造によって、ボディ内部が完全に中空となっているフルアコースティックギター、フルアコースティックギターに比べるとボディが薄く空洞も小さくなっているセミアコースティックギター、ボディ内部に空洞がないソリッドギターの3種類に分類される。ソリッドギターの一部がセミソリッドギターに分類されることもある。

エレクトリック・ギターは「エレキギター」、さらにその略称として「エレキ」とも呼ばれる[16][17]。

弦の本数による分類

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一般的なギターは6本の弦を持つが、以下のような弦の数を増やしたギターもある。

ナルシソ・イエペスとギター製作者ホセ・ラミレス3世により開発された。通常の6弦に加えて低音側に4本の弦が追加されており、共鳴により豊かな響きを生み出す。
通常のギターの各弦をユニゾンまたはオクターブで調弦された2本の弦のペア（複弦）に置き換えて、よりきらびやかで豊かな響きを狙ったものである。

音域による分類

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一般的なギターより音域を高く、あるいは低くチューニングするギターもある。

ネックの本数による分類

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現代の一般的な構造と機能

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フレットのついた指板と6本（あるいは12本。2本1組で6組）の弦をそなえ、（典型的なものでは曲線的な形状の）胴（＝ボディー）をそなえる。アコースティック・ギターのボディーは空洞になっており、共鳴した音を出すサウンドホールが開けられている。エレクトリック・ギターのボディーは空洞になっているものと空洞のないものの両方がある。弦の端はボディー側は駒（ブリッジ）が、ネック側にはナットが支え、演奏者によって弦が弾かれると、ブリッジとナットの間で弦が振動する。アコースティック・ギターでは、その振動がブリッジやナット経由でボディーに伝わり、ボディー全体が振動し、弦とボディーの振動で生まれた音を空洞で共鳴させることで音を出す。エレクトリック・ギターでは、鉄製の弦の振動による磁界の変動をピックアップによって電気信号として取り出す。

ヘッドには、各弦の張力を調整をし各弦から出る音のピッチ（＝音の高さ）を調整（チューニング）するための糸巻き（ペグ）がある。6本の弦は太さが異なり、演奏時にギターを持った時の上側が一番太く（ピッチが低く）、下に向かって順に細く（ピッチが高く）なるように配置する。

アコースティック・ギターとエレクトリック・ギターのパーツ名

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アコースティック・ギター エレクトリック・ギター
   
  1. ヘッド
  2. ナット(上駒)
  3. ペグ(糸巻き)
  4. フレット
  5. トラスロッド
  6. ポジションマーク
  7. ネック
  8. ヒール
  9. ボディー
  10. ピックアップ
  11. コントロールノブ
  12. ブリッジ
  13. ピックガード

弦

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→「弦 (楽器)」も参照

ギターの弦の本数は6本のものが主流であるが、他に4弦-5弦、7弦–10弦のギター、12弦ギター、18弦ギターなどもある。また、ベースギターは4弦のものが主流であるが、5弦、6弦のものも広く使われ、1弦-3弦、7弦-10弦、12弦ベースなどもある。

弦の素材は金属、ナイロンなどが使われている。

弦の太さは「ゲージ」番号で表現し、通常、単位（ミリインチ）は省略される。1本ずつ、あるいは6本セットなどで販売されており、セットの場合、一番細い弦と一番太い弦の数字のみをつなげて数字4桁で呼ぶ（例：1弦 09 - 6弦 42 →「0942」）。

弦の種類、材質や太さはギターの音色に大きく影響し、それぞれ独特の響きを持ち、ギターの音色や奏法のバリエーションを豊かで美しいものにしている。

ナイロン弦

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クラシック（ガット）ギターでは高音側(1 - 3弦)にナイロン弦と呼ばれる柔らかい弦を用い、低音側（4 - 6弦）では細いナイロンの束を芯に金属線を巻き付けた弦を用いる[18][19]。

かつては羊の腸（ガット）などから作られたガット弦が用いられていたことから、クラシックギターは「ガットギター」と称された。第2次大戦後、戦災に疲弊したヨーロッパにおいてガット弦の製造が減少し、入手が困難となった。それを補うためにナイロン弦が開発され、アンドレス・セゴビアが使用したため、広く使用されるようになった。

現在ではナイロン、フロロカーボンなどの化学合成繊維が主流であるが、近年ではガット弦の魅力も再評価され始めている。

スティール弦

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スティール弦アコースティックギターはその名の通りスティール弦と呼ばれる金属製の弦を使用する。また、エレクトリック・ギターもほとんどがスティール弦を使用し、鉄製の弦の振動による磁界の変化を信号として取り出している。

スティール弦の芯線には、弾性を備えた鋼鉄線（ピアノ線）が使用される[20][21]。高音側の細い弦は芯線のみの1本の針金状であるが、低音側の弦は芯線に金属線を巻き付けたもの（巻き弦）を使用する[22]。巻き付ける金属線（巻き線）には鉄、ニッケル、ステンレス、ブロンズ、フォスファーブロンズなどが用いられる。

一般的には、スティール弦アコースティックギター用の弦セットでは3弦から6弦が巻き弦に、エレクトリック・ギター用の弦セットでは4弦から6弦が巻き弦になる。

弦は太いほど音も太く迫力があるものになるが、押弦に必要な力も大きくなり、チョーキングの難度も上がる。一般的にスティール弦アコースティックギターではライトゲージやミディアムゲージを使うプレイヤーが多い。エレクトリック・ギターではライトゲージ・スーパーライトゲージ・エキストラライトゲージが一般に多く使われる。しかし、音の迫力を求めてより太い弦を使用するプレイヤーも多い。

コーティング弦

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スティール弦の弦表面にエナメルやテフロンなどの薄い膜をコーティングした弦で、錆や腐食に強く、通常の弦よりも丈夫で長持ちする。手に汗をかきやすい演奏者や、頻繁に弦交換をしたくない演奏者に好まれる。価格は通常の弦よりも高額である[23]。

チューニング（調律）

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ギターの調律はピアノなどとは異なり多くは演奏者自身で行われる。曲目に合わせて演奏中に行われることもある。弦を保持するフレームが木材であるため調律は狂いやすく、演奏前に調律されることが多い。プロの演奏家の場合はピアノと同様に「テクニシャン」と呼ばれる専門家が行う場合もある。

一般的なチューニング

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各弦のチューニングも様々なものが使われている。通常は低音側（6弦）の弦から「E-A-D-G-B-E」（82.41Hz-110Hz-146.83Hz-195.99Hz-246.94Hz-329.63Hz）[注釈 1]とする「スタンダード・チューニング」が一般的である。このチューニング方法は「レギュラー・チューニング」とも呼ばれる[24]。

これは多くの曲に対応できて、数多くのコードや音階などを弾く場合のチューニングとして定着している。

特殊なチューニング

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以下に挙げるような特殊なチューニングは、「変則チューニング」と呼ばれることが多い。

オープンチューニング系

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全ての弦を開放弦で弾いたとき、あるコードの音が出るチューニングを「オープン・チューニング」と呼ぶ。例えば「オープンGチューニング」とは、全ての弦を開放弦で弾くとGのコードとなるチューニングである[25]。いずれもロック、ブルース、フォーク系で使われることが多い。特に、スライドギターでは使用例が多い。

D-A-D-F♯-A-D
オープンDチューニング。
E-B-E-G♯-B-E
オープンEチューニング。
D-G-D-G-B-D
オープンGチューニング。ローリング・ストーンズのキース・リチャーズは、このチューニングから6弦を外して5本弦でプレイし、多くの曲を生み出した。

ダウンチューニング系

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全ての弦を通常のチューニングと同じ音程間隔で音を下げていくチューニングを「ダウンチューニング」と呼ぶ。通常よりも低音で構成されるため、音色に「重厚感」や「虚脱感」などを表現しやすい。

E♭-A♭-D♭-G♭-B♭-E♭
ハーフステップダウン・チューニング。ロックでは頻繁に用いられる、全ての弦を半音下げたチューニング。シャープやフラットが5個以上の調の曲で使われる場合が多い。
D-G-C-F-A-D
ホールステップダウン・チューニング。ヘヴィメタルとそのサブジャンルで頻繁に用いられる、全ての弦を一音下げたチューニング。

これらの他にも、全弦一音半下げ、二音下げ、二音半下げ……と続く[注釈 2]。

ドロップチューニング系

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D-A-D-G-B-E
ドロップDチューニング。フォークでよく使われる。1–5弦はスタンダードチューニングで、6弦（最低音弦）のみ、1音下げてDとなっている[24]。クラシックギターにおいてはニ長調やニ短調の曲などでよく用いられ、このチューニングを前提とした作・編曲は枚挙に暇がないほど多い。その意味では「第2のレギュラー・チューニング」と呼んでも良いと思われるほどである。このチューニングは最低音を下げることによる低音の厚みや低音側の3弦でのパワーコードの押弦が容易になるなどの理由でハードロック、ヘヴィメタルでも用いられる。またこのチューニングを行った上での全弦半音下げ、全音下げ、一音半下げなどのチューニング法もある。
D-A-D-G-B-D
ダブルドロップDチューニング。
D-G-D-G-B-E
ドロップD&Gチューニング。クラシックギターのレパートリーでの曲数は多いとは言えないものの、このチューニングを前提とした作・編曲として、タレガ「タンゴ」、バリオス「郷愁のショーロ」、およびアルベニス「セビリア」やグラナドス「ゴヤの美女」のギター編曲版などがある。意外とポピュラーなチューニングである。

その他のチューニング

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D-A-D-G-A-D
レギュラーチューニングの6弦、2弦、1弦を一音ずつ下げたもの。その弦の音程から「ダドガド（ダドガッド）・チューニング」と呼ばれる。長調とも短調とも区別できない特殊なチューニングながら、幅広く応用が利くため、一部では多用され愛好されている。特にアイリッシュ音楽などの民族系の楽曲に用いられることが多い。レッド・ツェッペリンの「カシミール」は、このチューニングの代表的な楽曲である。
E-A-D-G-B-E
ナッシュビル・チューニング。3弦から6弦がレギュラーチューニングより1オクターブ上にチューニングされている（12弦ギターの複弦のうち、高音側の弦のみを張った状態に相当する）。日本では石川鷹彦が22才の別れ（かぐや姫・風）のバッキングに使用してその名が知られるようになった。近年はナッシュビル・チューニング用の弦セットも販売されている。

その他、各コードに合わせたチューニングやそれらを組み合わせたバリエーションもあり、独自のチューニングを用いて演奏するミュージシャンも少なくない。スラックキーギターでは、ミュージシャンごとにチューニングが違うと言われるほどである。またスティール・ギターでは、長和音ではないAm、EmやC6などのオープン・チューニングも多い。

その他のギターのチューニング

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レキントギター（英語版）、は本来スペイン語のquintoから造語されたもの。つまり5度の意味で普通のギターより完全五度上のB-E-A-D-F#-Bに調弦される。ただし日本に伝わったころこのギターに張る弦がなく、太い弦では切れやすいため、完全四度上のA-D-G-C-E-Aに調弦された。主な演奏者はロス・インディオス・タバハラス、トリオ・ロス・パンチョスのアルフレード・ヒルである。

ギタレレは普通のギターの完全四度上のA-D-G-C-E-Aで調弦される。

テナーギターと呼ばれるものもあり、これは一般にC-G-D-Aで調弦される四弦のギターで、多様な変則チューニングに対応できることから1960年代のフォーク・シーンで愛用された。

一五一会・音来(ニライ)はG-D-G-Dが基本だが、和楽器の要素も持つためF-C-F-Cなど弦どうしの度数(一度・五度・オクターブ上の一度・その上の五度、が基本)さえ守られていれば多様なチューニングが可能。4度高いチューニングが基本となる奏生(かない)も同様。

19世紀末に考案され、コントラバスのチューニングと同一のキタローネ（同名の古楽器とは全くの別物）が、1920年代のマンドリンオーケストラで活躍したものの、音量の少なさ、楽器の調達難、奏者の確保難などの理由により、やがてコントラバスで代用されてゆく。

アルチキタルラは、マンドローネと同じくA-D-G-Cに調弦され、これもマンドリンオーケストラ用に開発された楽器だが現在では奏者がほとんど見つからない。

鏡の国のギター[26]は大阪芸術大学准教授の中野圭によって発明されたギターで2015年11月にモスクワのDOM Culture Centerで世界初演された。完全五度を基本としたE-B-G-D-A-Eに調弦される。左利きギタリストの為に右利き用の通常のギターを活用してもらえるような発明で通常と左右逆向きに構えて演奏される。特許「弦楽器」[27]。

その他

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制作における技術上・構造上の問題から、各音程について理想とするものから周波数がずれる場合があり、厳密な意味では最適なチューニングは難しい。通常は開放弦の音でチューニングされるが、弦を押さえることで弦に張力（テンション）がかかるためである。エレクトリック・ギターでは各弦の長さ、高さを容易に調整できるため、一般的に、アコースティックギターよりは若干細かいチューニングが可能である。フレットの項目も参照。なお、張力による音程の変化を逆手に取る演奏技術もある。詳しくは後述。

構え方や奏法

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基本の構え方

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まず演奏時の基本姿勢やギターの保持の方法は、音楽のジャンルやギターの種類などにより異なる。

クラシックギターでは椅子に座って左足を踏み台に乗せ、脚の位置を高くしてボディ側面のくぼみを左脚の太股に乗せ、ギターを体全体で抱えるような姿勢で演奏をする。クラシック以外では、座る場合でも、踏み台は使わず、右脚の太股に、脚を組みギター側面のくぼみ[注釈 3]を乗せて演奏をする場合と、脚を組まずにギターのくぼみを脚に載せる場合がある。（なおジャズギタリストは座って演奏することが多かった。また1970年代の日本のフォークシンガーも座って演奏することが多かった。）ハイスツール（座面の高い椅子）を用意し、そこに尻を載せて演奏する方法もある。

立って演奏する場合、フォークギターなどではギターストラップをギターのネック部分とギターのボトム（尻）のとめ金にかけ肩にかける方法があり、エレキギターではギターストラップの片方をギターのボトム（尻）の止め金にかけるのは同じだがもう片方はボディの止め金にかける（ギターのネックにかけない）。ラテン音楽のギターなどではギターのサウンドホールにひっかけるフックを利用し首から吊る方法などがある。

  •  
    クラシック音楽のギターの構え方。ギタリストは椅子にすわり、《足台》に片足をのせ[注釈 4]、高くなった脚の上にギター（のくびれ）を置き、ギターをやや縦に構え、ギターのネックが顔の横あたりにくる。
  •  
    脚を組んでギターのくぼみを載せる構え
  •  
    （エレキギターの試奏や、ブルースなど）椅子に座ってリラックスして演奏する方法。「脚のつけ根」あたりにギターを載せる。この他、ネックの位置を少し上げたい場合は、ブルースやロックでも足を組む方法がある[注釈 4]。
  •  
    ストリートでアコギ類を座って演奏する場合
  •  
    ハイスツールを使う方法
  •  
    ラテンアメリカの音楽で立って演奏する場合のギターの構え方。
  •  
    フォークミュージックやポピュラーミュージックを街頭で立って演奏する場合の構え方。《ギター ストラップ》を使い、ギターを肩にかける方法。ストラップの片端をネックに縛りつけているパターン。クラシック音楽のギターの構え方に比べると、ギターは水平に近い。
  •  
    エレキギターを立って演奏する場合の一例。ストラップを使うが、ストラップの両端をボディの止め金にかける。エレキギターの位置は、近年では、フォークギターの場合と比べて低いことが一般的。
  •  
    エリック・クラプトンがストラトキャスターを立って演奏する場合の構え
  •  
    ロックミュージック系のエレキギターの奏者がステージで立ち姿勢で演奏していて、スポットライトを浴びて《速弾き》をしたり派手な演奏をする時の構え方
右利きの場合

右利き用のギターを使う。左手でネックを持って弦を押さえ、右手で弦を弾く。

左利きの場合

いくつかの方法がある。

  • 右利き用のギターを使い、右利きの人と同じように左手でネックを持ち右手で弦を弾く方法
この方法のメリットは、右利き用のギターが入手しやすいことで、他人から右利き用のギターを借りたり譲ってもらったりすることで練習ができる。レッスンの際にも右利きの動作をそのままコピーすれば良く、流通している右利き用の教科書やタブ譜もそのまま使える。
この持ち方をするプレーヤーの例としてはビリー・コーガン[28]、ロバート・フリップ[29][30]、マーク・ノップラー[29]などが挙げられる。
  • 左利き用のギターを使い、右手でネックを持ち弦を押さえ、左手で弦を弾く方法
右利きの先生から教えてもらう場合は、常に「鏡写し」の動作をすればよい。左利き用のギターの販売数は右利き用と比べて少なく、小さな店舗では販売されていないことも多いのが難点。
この持ち方をするプレーヤーの例としてはトニー・アイオミ[31]、ポール・マッカートニー[28]などが挙げられる。

他に以下のような変則的な手法を使うプレイヤーも存在するが、ギターの大幅な調整が必要だったり、練習が非常に困難だったりするなど難点が多い。

  • 右利き用のギターを逆に持ち、弦も左利き用に逆順に張り替えて演奏する方法
アコースティック・ギターの場合は、弦を逆順に張ることは根本的に非常に難しい[32]。調整が比較的容易なエレクトリック・ギターでも、ブリッジやナットの大幅な組み直しや調整が必要になる。
この持ち方をしたプレーヤーの例として、ジミ・ヘンドリックス[33]などが挙げられる。
  • 右利き用のギターを逆に持ち、弦の並びが通常と上下逆の状態で演奏する方法
通常の持ち方に比べて練習は非常に困難である。例えばダウンストロークを弾くと通常の構え方のアップストロークのような音が鳴ることになり、市販の楽譜やタブ譜通りに演奏することが難しくなる。
この持ち方をしたプレーヤーの例としてはアルバート・キング[34]などが挙げられる。
  • 右利き用のギターを逆に持ち、「鏡の国のギター」の状態で演奏する方法
通常の持ち方と遜色がなく快適である。
この持ち方をしたプレーヤーの例としては大阪芸術大学准教授の中野圭などが挙げられる。

弦の押さえ方の基本

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クラシック音楽やフラメンコ音楽などでは、弦を押さえる手は、ネックの下側をくぐるようにして親指をネックの裏側に当て、人差し指から小指までの4本の指で弦を押さえるのが基本姿勢となる（クラシックスタイル）。

一方、ブルースやロックの世界では、親指を表（指板）側に出してネックを握り込むような押さえ方も使われ、さらに親指で第6弦(通常一番上部に位置し、最も低い音を担当する)を押さえるという技法もある。

 
バレー / セーハと言うテクニック。コードはFm (エフ・マイナー)。人差し指で複数の弦を保持。

コードを演奏する際、基本的には左手の指1本につき弦1本を押さえるが、この場合、6本の弦の内、4本を押さえることしかできない。必然的に押さえられていない「開放弦」の音が混じることがあり、比較的澄んだ、伸びやかな響きとなる。この左手のポジションを、オープンコード、もしくはローポジションという。オープンコードは、開放弦が多いほど澄んだ伸びやかな音が鳴るが、音を細かくリズミカルに止めるのが困難で、楽曲のリズム感が損なわれがちになる。

一方、左手の人差し指を寝かせて使い、1 - 6弦や1 - 5弦など複数の弦を一度に押さえた上で、残りの3本の指も併用してコードの形を作るポジションもあり。この人差し指の技術をバレー、もしくはセーハと言い、これによって作られた左手のポジションをハイコードやバレーコードなどと言う。ハイコード（バレーコード）は、細かくリズミカルに音を止めることができ、楽曲のリズム感やビート感を出せるが、その代わりにオープンコードのような澄んだ伸びやかな音は出づらい。

フォークミュージックの伴奏専門のギターなどでは、どうしても弾けないハイコードがある初心者や中級者は、カポタスト（短縮形は「カポ」）というアクセサリーで、ある程度ハイコードを避けるという手法が用いられる（だが、ロックミュージックでは、特にエレキギターでは、基本的にカポタストは使わない）。おまけにオープンコードは開放弦の音が鳴り続けるのを細やかにリズミカルに制御するのは難しいという短所があり、ビートのきいたキレのある演奏が困難である。したがってリズム感やビート感の溢れる楽曲で楽譜でハイコードで演奏するよう指示されている部分はハイコードのまま弾くのが望ましく、一方、楽譜でオープンコードで演奏するよう指示されている部分はオープンコードのまま弾くのが望ましい。

なおカポタストは上述の場合だけでなく、コードのボイシングや開放弦の独特の澄んだ伸びやかな音色を活かしたまま移調するための道具として使われることもある。特に歌謡曲の伴奏にギターを使う場合は、ヴォーカルの音域に併せてカポを移動させるだけで楽曲の音高を上げ下げでき（まるでカラオケ装置の伴奏の音高調整のように使えて）簡単で、便利ではある。ただし、カポタストで移調する方法は、基本的に楽曲が始まる前にそれの位置を決めておかなければならず、曲の途中の移調や転調はかなり困難だという短所はある。一方、ハイコードを極めれば、カポという道具無しに、自分の指だけで、いかなる瞬間にも全ての移調・転調が自由自在にできるようになり、曲の途中でも即興演奏でも、自由自在に転調することができるようになる。歌謡曲の伴奏用のギターではない場合、たとえばクラシックギターの独奏曲の中の移調・転調やロックのエレキギターのソロパートの移調・転調は、カポは使わずハイコードを駆使して行われるほうが一般的である。

なお、アルペジオ奏法は言うに及ばず、ストローク奏法でも、特定の弦を弾かない、もしくは鳴らさないことが可能であるため、以上の記述はあくまで一般論である。音が鳴ると困る弦については、左手の任意の部分で軽く触れておくことによって、発音をほぼ抑えることができる。この技法をミュートという[注釈 5]。アルペジオやソロで本来弾かない弦であっても、誤って適切でない弦が演奏されることを防ぐため、予防としてミュートしておくこともある。バレーコードでも、1 - 5弦までのバレー（セーハ）では人差し指の先で6弦をミュートしておくことが多い。

奏法

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（右手について）クラシックギターでは、複数の弦を別々に弾き、複数の指で弾く必要があるのでピックは普通は用いない[35]。なお親指から薬指までを使い弾く[35]（小指は使わない）。クラシックギターはもともと独奏用の楽器であり[35]、クラシックギター用の楽曲は（右手の指も一本一本、独立に用いて）伴奏と旋律を同時に奏でる独奏曲が多い。

クラシックギター以外のアコースティックギターは伴奏用に用いられることが多く、右手の方は指やピックで全ての弦を一気に掻き鳴らすストローク奏法が多い。ストローク奏法は、フラメンコ・ギターではダウンストロークの場合は小指から人差し指に向けて4本の指で指先をきっちりと詰めて振り下ろす[36]。アップストロークの場合は親指の爪で下から振り上げるように弾く[36]（通常、他の4本は使わない[36]）。

エレクトリック・ギターではピックを用いたソロ演奏もある。

ギターのメーカー・ブランド

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→「Category:ギターメーカー」も参照

脚注

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[脚注の使い方]

注釈

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  1. ^ 周波数はA=440Hzの平均律の場合の物であり、あくまで一例である。
  2. ^ ただし一音半以上のチューニングは、デスメタルやブルータル系ブラックメタルなど、一部のジャンルに使用されることがほとんどである。
  3. ^ 近年のクラシックギター以外のギターでは、くぼみのないデザインのものもある。
  4. ^ a b 基本的にクラシック音楽以外では普通、足台は使わない。
  5. ^ 右手で行うミュートもあるが、目的は別のものであることが多い。

出典

編集
  1. ^ Oxford Dictionary "guitar"
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関連項目

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外部リンク

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